A 10 legjobb rock zenekar valaha

Amikor a projektet buja, csúszós és diagnosztizáló veszéllyel kezeli, mint “a 10 legjobb rock zenekar valaha,”Akár a várakozás a monszun a nézeteltérés biztos, hogy jöjjön, és betölteni a csomagot mindenféle szeszélyes megkérdőjelezés, vagy az egyik tud előre kecses előre boldogan biztonságos az egyetemes igazságosság az egy ítélet. Amerikai vagyok, az utóbbit választom.

1. A Beatles

A Beatles kétségtelenül a legjobb és legfontosabb zenekar a rock történetében, valamint a legérdekesebb történet. Szinte csodálatos módon a művészi, kereskedelmi, kulturális és szellemi formák csúcspontjait éppen a megfelelő időben, a viharos 60-as években testesítették meg, amikor a zene képes volt szó szerint megváltoztatni a világot (vagy legalábbis azt a benyomást keltette, ami ugyanaz lehet). A Beatles az archetípus: nincs kifejezés a “Beatlemania” -tal analóg nyelven.

A Liverpoolból három lelkész – John Lennon, Paul McCartney és George Harrison – 1960-ban (a bittel Stu Sutcliffe és Pete Best) nagy kulturális folyékonysággal jöttek össze, felszívták és felidézték az amerikai rock’n’rollot és a brit pop történelmet ez a pont, amelyet egy borotvaszélű, öt amfetaminüzemű készletben játszottak egy éjszakát Hamburg kemény kikötővárosában, Németországban, visszatértek Liverpoolba, ideális menedzsert találtak Brian Epstein-ben és George Martin-ben az ideális gyártó. amikor a Ringo Starr helyezte a legjobb dobokat, és kiadta első kislemezét az Egyesült Királyságban, a “Love Me Do / PS” -et Szeretlek “, mindezt 1962 októberéig.

Második kislemezük: “Please Please Me”, amelyet a brit chart-toppers “From Me to You”, “Szeretlek”, “Szeretném tartani a kezed”, “Nem lehet megvenni a szerelem” (Lennon / McCartney eredetiek), valamint a csoport kedves képe, szellem és varázsa, 1963-ban megszilárdították a Fab Four elragadtatott tapadását hazájukon.

De amikor a csoport 1964 februárjában érkezett az Egyesült Államokba, a Beatlemania teljes terjedelme nyilvánvalóvá vált. A február 9-i Ed Sullivan Show-n a pandemonium-indukáló öt dalos előadás a 20-as évek egyik legfontosabb tömegtájékoztatási eseménye.^th század. Ötéves voltam abban az időben – a szüleim azt mondták, hogy velük figyelem, de őszintén emlékszem. Emlékszem azonban, hogy a szomszédban lévõ lányok, négy és hat évvel idõsebbek, mint én, átgondolták ezt a megjelenést, és ezt követõen vigyorgották õket. Szerettem “I Want to Hold Your Hand”, a Beatles első számú az USA-ban (még 19, még mindig a rekord), sokkal többet, mint bármely más dalt, amit valaha hallottam, vagy majdnem biztosan hallani fogok a fogyasztó intenzitás, amit csak most érhetek el emlékezetként.

A Beatles olyan örömöt teremtett, amely tízmillió embert csapott be az arcába azzal a tudattal, hogy a boldogság és a boldogság nemcsak lehetséges, hanem jelenlétükben elkerülhetetlen. Olyan energiát termeltek, amelyet egymilliószor felerősítettek és visszatértek hozzájuk egy hálás histería fülsiketítő árapályában.

Ennek a fülsiketítő hisztéria egyik részeredménye az volt, hogy a zenekar koncertjeitől megzavarodott, és 1966 augusztus 29-én egy San Francisco-show után élőben folytatta előadását. Még ez a frusztráció is gyümölcsöt produkált, mint a négy zenész, kreatív energiáit a hangfelvevő stúdióba forgatta, egyre kifinomultabb és legkedveltebb “Rubber Soul” (1965-ös “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “Nem fogsz látni”, “Sehol ember”, “Michelle “),” Revolver “(1966), Harrison” Taxman “,” Eleanor Rigby “,” Itt, ott és mindenhol “,” Sárga tengeralattjáró “,” Good Day Sunshine ” epoca “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band “(1967, címe,” Kis segítség a barátaimból “,” Lucy az égben a gyémántokkal “,” Amikor hatvannégy éves vagyok “,” Egy nap az életben “).

Bár a centrifugális erő kezdte megfizetni a díjat, még mindig sikerült még három lemezborítót, dupla albumot “The Beatles” (1968, aka “The White Album”, “Back In The USSR”, “Kedves Prudence” Ob-La-Di Ob-La-Da “,” Harrison “Míg a gitárom gyengéden sír,” “Blackbird”, “Születésnap”, “Helter Skelter”), “Let It Be” (1969 elején rögzített, , a “Two Of Us”, “Az egész világegyetemben”, “Van egy érzésem”, “Hosszú és kanyargós út” és “Get Back” címmel), valamint az “Abbey Road” 1969, Harrison’s “Here’s the Sun” és “Something”, Ringo “Octopus’s Garden”, “Gyere együtt”, “Maxwell ezüst kalapáccsal”, “I Want You”, “.

Csodálatos ígéretet tettek, és ahelyett, hogy lemondtak volna arról az ígéretről, amelyet nyolc éven át szállítottak és szállítottak és szállítottak, amíg az ígéret teljes következményei végül megütötte őket: egy olyan láthatatlan, kopaszságú állat fenevadára meredtek, amely nem kevésbé vadállat volt mert mosolygott és intett, és pénzt adott nekik. A Beatles végül kollektív képtelenséggel szembesült azzal a feltételezéssel, hogy a fenevad nem állat, és 1970-ben felbomlottak, és visszatértek emberi lények közé.

Beatlemania redux

A Beatles-mágia kicsi, de jelentős darabja 1986-ban jelent meg a klasszikus John Hughes tinédzser “Ferris Bueller’s Day Off” kiadásával, ahol Matthew Broderick címszereplője szinuszolja a korai Beatles klasszikus “Twist and Shout” -t (ironikusan, egy dalt, amit nem írtak) egy úszó tetejéről egy belvárosi Chicago parádéban.

John Lennon énekelte a “Twist and Shout” -t, mintha a szó örömteli maró hatású méreg volt, és hogy egyetlen túlélési reménye, hogy a ritmuszavaros testével összeszedte a hatalmas zavart, és Ferris is a jelenetben. Paul és George válaszaik a Jóhéért minden egyes szobájuk végéhez közelítették az ördögi “Ooohs-okat”. Annyira élvezték magukat, hogy ebben a pillanatban ez a dal tűnt a legfontosabbnak az életükben. A Beatles tudta az öröm nagyszerű felelősségét.

Ferris ajkak lustaan, az úszáson levő frauleinok rázkódnak és rázkódnak, és visszavonulnak Ferris-ből, mint az elektronok, a tömegben ezrek énekelnek a medenceik gödröktől. Chicagó elakad, mint egy, újraélesztve a Beatles csodálatos életmódját egy olyan unifying mass-őrületben, amely egy ideig megváltoztatta az emberek életét.

Amikor a ’86-ban láttam a filmet a színházban, az emberek tényleg felálltak és táncoltak a folyosókon. Hogy nem tudták? A “Twist and Shout” szegmens volt a legizgalmasabb és legizgalmasabb zenei pillanat a filmben, mivel a Beatles saját “A Hard Day’s Night” (1964) volt, és tökéletes csúcspontja volt Ferris Bueller filmjátékának.

A közönség olyan keserű volt a Beatlemania számára, hogy “Twist and Shout” az év tizenöt hete visszatért a listákra, egy rövid, de édes emlékeztető az igazi.

2. A Rolling Stones

Amikor a Beatles 1970-ben megszűnt, a “The World’s Greatest Rock ‘n Roll Band” címmel nagyon kevés vitát esett a Rolling Stones, akik akkoriban olyan csodálatos kreatív csúcs közepén esettek, a Fab Négy a címet egyébként. Ez a cím az egykori “anti-Beatles” nem hagyott fel. Nem csak a Stones volt a legnagyobb rockzenekar a világon több mint 30 éve, de egy 40 évnél hosszabb működőképes rock ‘n’ roll egység volt.

A boyhood barátok, Mick Jagger és Keith Richards, valamint a gitáros Brian Jones és a zongoraművész, Ian Stewart, 1962-ben alakították ki a Rollin ‘Stones első verzióját, Charlie Watts dobokkal és crack-ritmusokkal, Bill Wyman pedig basszusgitáron, röviddel ezután londoni Crawdaddy klubban nyolc hónapos rezidenciát töltöttek le. Egy fiatal és ambiciózus Andrew Loog Oldham látta ott őket: 

“1963 április 23-án láttam őket, majd tudtam, hogy mit tanultam” – mondta egy telefonos interjúban Kolumbiában lévő otthonából. “A legfontosabb dolog volt a szenvedély, amely napjainkig szolgálta őket”, folytatta Oldham. Oldham első menedzserje az volt, hogy visszavonja a szörnyű Stewartot a zenekar élő fellépéséről, hogy nem tartja a képét egy sovány, középszerű és szexi Stones-ről (Stewart volt a zenekar útvezetője és felvették őket 1985-ig haláláig).

Abban az időben a Rollin ‘Stones (a Muddy Waters dalra, Oldham a “g” -re nevezve) egy roncsolt R & B borítós zenekar volt, de a Crawdaddy-n való futtatásuk nagy figyelmet keltett, és a Beatlesek nem mentek fel senkire el akarta hiányolni a következő nagy dolgot. Oldham hamar aláírta őket a Decca Records-hoz, ami még mindig okos volt, hogy visszautasította a Beatles-t.

A ’63 -as évek júniusában a Stones első kislemeze, Chuck Berry “Come On” borítója, az Egyesült Királyság 21-es számára került. A novemberi nyomon követés volt a rettegett Beatles ” I Wanna Be Your Man ”, amely a 12-es Egyesült Királyságba emelkedett. A ’64-es évek februárjához a Buddy Holly “Not Fade Away” “Ami szintén feltörte a Top 50-et az USA-ban – a rossz fiúk úton voltak.

Oldham az 1967-ben a kábítószer-bosszúságok őrültségével és médiafrenciájával szét volt osztva, de ő és a zenekar két csodálatos zenét produkált a két év alatt a rettenetesen lézengő “elégedettség” között – amelyet sok mai legnagyobb rock dal – májusban jelent meg 1965-ben, és a hit-kitöltött “Virágok” összeállítása, melyet július ’67-ben adtak ki. Ide tartoznak a “Get Off of my Cloud”, a kamarazenei lelkesedés és a “As Tears Go By” sebezhetőségének hihetetlenül öntudatos nárcisztikája.^th Idegösszeroppanás”; és a Stones első klasszikus albuma, az “Aftermath”, egyidejűleg gúnyos és empatikus kábítószer daldal “Mother’s Little Helper”, mélyen groovy és misogynistic “Under My Thumb” és “Out of Time”, szép “Lady Jane” , “Paint It Black” feliratú.

Ezután jött a Stones klasszikus, késő ’60 -as / korai ’70 -es időszak a “Koldus bankettje” és az “Exile On Main Street” között, talán a legtermékenyebb kőzettörténeti futtatás, amikor a Stones egyenlőtlen alkímia lett a rock’n’roll , blues és ország valami sötét, veszélyes és tartósan mély.

Az 1967-es törpék úgy tűnt, hogy Jagger és Richards egy másik kreatív szintre késztetik, de Brian Jones gyorsan és gyorsan süllyedt. Nem vett részt az ördögi, riff-lengő “Jumping Jack Flash” singleből. Alig dolgozott az 1968-as kivételes, blues-i “Koldus bankettjén” (csábító, ütőhangszerő és szúró “Szimpátiát az ördögért”, “gitározó” Street Fighting Man “, csikorgó és bűnös” Stray Cat Blues “). Június ’69 és halott az úszómedence alján kevesebb mint egy hónappal később.

Fiatal Mick Taylor csatlakozott a Jones helyett, és az ő lendületes blues vezetéke tökéletes fólia volt Richards nyitott hangzásának ritmusához, és a hang és a kép egyre sötétebb és nehezebb lett a “Let it Bleed” (a szex és a halál apokalipszája “Gimme Shelter, “Robert Johnson szenvedő blues” Love In Vain “, titokzatos” majomember “, a címsáv kábítószer-bajtársa, erőteljes és gyilkos” Midnight Rambler “, és a ferde, felemelő coda” Akar”).

A zenekar tánc az ördöggel keserű gyümölcsöt teremtenek, amikor 1969. december 6-án (csak három hónappal Woodstock után) egy szabad koncertet készítettek az Altamont Speedway-n kívül San Francisco-ban, ahol Hell’s Angels az összes beépített rossz juju elfogták az utókor számára a “Gimme Shelter” filmben).

“A Yer Ya-Ya’s Out” (1970), az egyik legelismertebb élő rock album, a 68-as 69-es találatokra fókuszálva, beleértve egy kiterjesztett, végleges “Midnight Rambler” -ot, és megmutatta, hogy az Mick Taylor a Stones zúgó élő hangjához.

A zenekar első kiadása a saját Rolling Stones Recordson volt, az Andy Warhol hírhedttel ellátott, “Sticky Fingers” (1971). Taylor újra szikrázott, és a Jagger / Richards dalszövegezése folytatódott a legmagasabb szinten: a “Brown Sugar”, a “vadon élő lovak”, a jazzy grooving “Nem tudsz hallgatni engem kopogtat”, a szarhúzó “Szuka”, hűvös “Morphine nővér “És megcsonkították a” Halott Virágokat “.

A Stones azóta is egy másik zenekar: Mick Taylor 1974-ben távozott, és a helyét Ronnie Wood váltotta fel. Néhány kiváló albumot adott ki: “Some Girls” (1978), a durva válasz a diszkó és a punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respectable”, “The Beast of Burden”, “Shattered” ), és a “Tattoo You” (1981, a legmagasabb színvonalú album, kilenc héttel az első helyen), a “Start Me Up”, a “Hang Fire” és a “Waiting on a Friend” standoutokkal. az egyszerűen jó albumok: a hetvenes évek jobbak voltak, mint a ’80 -as évek, amelyek jobbak voltak, mint a ’90 -es években.

De katasztrofálisak voltak, szünetet tartottak, de egyre inkább összpontosítottak arra, hogy a zenét a rajongóknak élvezzék, különösen az “Steel Wheels” albummal és világversenyzéssel 1989-ben újult meg. Megragadtam, hogy Los Angelesben és a Stones turné lelkes bizalommal. Mindegyik elem rákattintott: a gitárok vágtak és lecsúsztak, a ritmus szakasz zárva volt, és kirakta, a dalok tökéletes ötvözete a régi és az új, a zenekar bőven lelkes.

Jagger nem mutatott be egy csepp Cool Star attitűdöt: dolgozott, beszélt, énekelt energiával és figyelmet a részletekre. Nyilvánvalóan boldog volt, hogy újra szeretett volna. A stadion kollektív örömteli megkönnyebbülése gyengéd sebezhetőségre ösztönözte Jaggeret:

– Szereted az új dalokat? Szinte könyörgött a tömegből.

“Szeretjük őket, Mick!”

“Szeretünk téged!”

„Yeahh!”

Talán Mick emlékeztetett a hetvenes évek idézetére, “Néha inkább a színpadon vagyok, néha inkább az orgazmust.” Aznap este biztos vagyok benne, hogy a színpad elnyerte.

Az 1990-es években a zenekar három túra során megdöbbentő 750 millió dollárt vett át. Amikor láttam őket a Madison Square Garden-en élőben a HBO-n, tavaly év elején a szemem megerősítette, hogy ezek a szelíd, kíméletlen srácok körülbelül 60 évesek, de amikor a fényképezőgép 30 évig húzódott el, és a mágia valóságos volt, éjjel viselt.

Milyen nagyszerű show! A Stones egy jobb zenekar él most, mint a 70-es években, amikor az életük, testük és elméjük a szex, a kábítószer és az alkoholfogyasztás volt. Életük középpontba állította őket, de kevéssé vették el a mániákus energiájukat, és Keith Richards még mindig a legnagyobb ritmusgitáros, aki valaha élt.

Hosszú rock ‘n’ roll – éljen a Rolling Stones!

3. U2

Írország U2 a punk korszak legfontosabb és legjelentősebb zenekara, csatlakozott a csengő gitár rockhoz, a punk függetlenségéhez, a kelta szellemiséghez, az innovatív gyártási technikákhoz és az elektronikus kísérletességhez – mindegyik énekes / lírai Bono transzcendens látása és karizma.

U2-Bono (Paul Hewson), az Edge (Dave Evans) gitáros, Adam Clayton basszusgitáros és Larry Mullen dobos 1976-ban Dublinban alakult Beatles and Stones zenekarként, míg a játékosok még mindig középiskolában voltak. 1980-ban aláírták az Island Records-ot, és kiadták látványos első albumukat, a “Boy” -t, amelyet Steve Lillywhite készített.

Az 1984-es “Felejthetetlen tűz” előkészítésében Brian Eno hosszú beszélgetést folytatott a Bono-val, ahogy azt később a Q Magazine-nak is elmondta. “Én azt mondtam:” Nézd, ha veled dolgozom, sok dolgot szeretnék megváltoztatni, mert nem érdekel a lemezkiadás, mint a színpadon játszott rockzenekar, inkább érdekel a festészet képek. Olyan tájat akarok létrehozni, amelyen belül ez a zene megtörténik. “És Bono azt mondta:” Pontosan ezt akarjuk is. “

Ennek a végzetes irányváltoztatásnak az eredményei az U2-szabványok “A Felejthetetlen Tűz” Eno produkciói (beleértve a “Rossz” és “A szeretet nevében büszkeség”); A Grammy 1987-es év albuma, a személyes, mégis univerzális “A Joshua Tree”, amely a zenekar szupersztárjait (a “Where the Streets Have No Name”, “Még mindig nem találtam meg, amit keresek” Vagy nélküle “és” Egy fa hegy “); 1991-es “Achtung Baby”, ragyogó és érzelmileg sötét az elektronika felé (“Még jobb az igazi dolognál”, “Egy”, “A világ végéig”, “Ki fog lovagolni vadon élő lovainkkal” és “Titokzatos módszerek” ); és “Zooropa”, még mélyebben az euro-tánczene és az elektronika (’93, a címsáv, “Numb”, “Lemon”, “Stay”). Wow, milyen utazás.

Az U2 volt a 80-as évek vezető rock zenekara, mert tagjai, mint például az Egyesült Államokban élő Bruce Springsteen, még mindig úgy gondolták, hogy a rock’n’roll megmentheti a világot, és megvan a tehetségük, hogy ez a fogalom nem tűnik reménytelenül naivnak.

Ez a komolyság és a hajlandóság a legnehezebb felelősségvállalásokra vezetett, ami a felzárkóztató magasságok eléréséhez vezetett, és a pszichikai és művészi igények fokozódásához vezetett, amelyek végül a zenekar számára a kilencvenes években.

Minden zenekar hűvösnek tűnik, és a ’80 -as években az U2 szinte egyedülállóan megkeményedett, de nehéz volt, könyörtelen munkát végzett. A ’80 -as, ’90 -es évek giccses, gúnyos gitárjai és idealizmusai után látta az elektronika és az irónia áttetsző hidegét, ami szó szerint és metaforikusan hűvös volt, de végül nem a zenekar.

“Mindaz, amit nem lehet elhagyni” (’00) visszatért a zenekarhoz jelentése és a hangszeres és spirituális nyomon követés a “Joshua Tree” -on, a zenekar legideálisabb, spirituális és dallamilag konzisztens albumán.

A zenekar elektronikai rajongói maradtak (különösen a “New York-i impresszionista”), de az Edge gitárosa visszatért a középpontba, ahol egyedülálló hangzással kapcsolatos stílusa tartozik, bár soha nem emeli fel a dalokat, amelyek mindegyikét áldották meg emlékezetes dallam.

A “Beautiful Day” megnyitópálya extasikus megjelenését követően a második dal “Stuck In A Moment You Can not Get Out” egy látszólag szerény, de mélyen mély, komoly és idealista fogalmat állít fel:

– Csak egy tisztességes dallamot keresek

Egy énekem a saját társaságomban “

Megtalálták, majd néhányat. Az U2 immár egy érett, magabiztos, mégis csodálatos zenekar, aki tudja, hogy nincs minden válasza, de nem fél sem folytatni a helyes kérdéseket.

4. A Grateful Dead

Ma az úton / láttam egy halott matricát a Cadillac-on / Egy kis hang a fejemben / Mondtam: “Ne nézz vissza, soha nem nézhetsz vissza” Don Henley, “Nyári fiúk”

Amikor Henley 1984-ben a “The Boys of Summer” -t írta, a luxus detroiti acél matricáját az értékek ellentmondásaként látta: egy szimbolikus anyag / antimatter ütközés, amely mindkettőt eltörölte. De Henley nem vette észre, hogy a halott múlt szimbóluma valójában a jelen és a jövő nagyon erős szimbóluma.

A vietnami háború tökéletes polarizáló volt a fiatalok és a felnőttkultúra között: nincs egyértelmű célja, messze volt, sok életet költött, és önkéntelen volt – a régiek a döntéseket hozták, a fiatalok meghalták. A háború után a 70-es évek közepén meggyilkolták a nemzetet, és rájött, hogy gyűlölte a belső zavart többet, mint a külső ellenséget – a vért vastagabb, mint az ideológia.

A halottak lettek a az ideológiák keverésének szimbólumává, amíg Jerry Garcia halála 1995-ben: egy jól olajozott pénzgyártó gép (évente 50 millió dollár koncertbevétellel), amely békét, szeretetet és megértést adott a belsőleg megosztott csodálók légiójának. A Dead elárulta minden show-ot, mert a Dead show egy társadalmilag elfogadható hely volt ahhoz, hogy átmenetileg megszabaduljon a patkányversenytől, és próbálja meg a hatvanas évek hippi értékeit anélkül, hogy meg kellene élnie őket. Azok az emberek, akik máskor nem csináltak drogot, indultak és táncoltak, mint a halottak halványsága és fényes, ritmikus, kellemes, néha inspirált, kiterjesztett zenei utazásaik.

Ezen a zenei fronton a Rhino “A Grateful Dead” című kiállítás kiválóan mutatja be a zenekar eklektikus keverését az ország, a népi, a pszichedelikus rock, az R & B, a jazz és az afro-karibi ritmusok között a klasszikusok, mint “Az ördög barátja” A “Sugar Magnolia”, “Ripple”, “Truckin”, “John’s bácsi”, “Casey Jones”, “Franklin tornya” és az egyedülálló “Touch of Gray”.

A “Grateful Dead” (1971) a zenekar kedvenc élőzenete – a “Bertha”, “Mama próbálta”, “A zenekarban játszani”, “Johnny B. Goode”, “Not Fade Away” és ” Goin ‘Down the Road rosszul érzem magam, “nagy energiát és sokoldalúságot mutat.

A Dead sikere ihlette az egész jam zenekar mozgását, amely ma is zenei és kulturális vonulatát hordozza.

5. Velvet Underground

Brian Eno híresen azt mondta, hogy nem sok ember vásárolta meg a Velvet albumát, amikor eredetileg megjelentek, de mindenki, aki egy zenekart alkotott. Miután bátran küzdött a kétségbeesés és nyílt ellenséges ellenségek ellen az életében, a Velvet Underground fokozatosan a rock történelem egyik legjobb és legjelentősebb zenekarává vált.

A Velvet Underground 1964-ben alakult, amikor énekes / gitáros / dalszerző Lou Reed és a walesi multi-instrumentalista John Cale találkozott, és úgy döntött, hogy egy rock zenekart (végül a basszusgitárral és gitárral a Sterling Morrison és a Maureen “Mo” Tucker a ütőhangszereken) közös érdeklődésük az R & B-ben, Albert Ayler és Ornette Coleman szabad formájú jazzjei, valamint John Cage és La Monte Young avantgárd minimalizmusai.

A zenekar nemcsak szórakoztatásra törekedett, hanem kihívásra is, hogy bizonyítsa, hogy a rock’n’roll újra veszélyes lehet. Andy Warhol felé vonultak -, akik az osztrák színésznőt / modellt / Nico-t hajítottak be a foldba – és Warhol multimédia szervezetében, a gyárban és a falusi bohém művészeti életben.

Éljenek, a bársonyok voltak bizarr amalgám az erőteljes R & B, szép pop dalok, kiterjesztett kísérleti zajelakadás és a teljesítmény művészet a Warhol a robbanó műanyag elkerülhetetlen. Az eredeti zenekar csak két albumot tartott: “The Velvet Underground és Nico” és “White Light, White Heat” (mind 1967-ben), amelyek közül az első az összes rock album közül.

“Várakozás az emberre”, egy szelíd sziklacsúcson, követi a Reed karaktert a kábítószerek keresésére. Reed szinte szeszélyes önmegvetéssel, mivel a kábítószerek iránti igénye a gettó lakói körében elhúzza társadalmi státuszát, és ez a megvető önmegvetés meghatározza a Velvet státuszát, mint az első posztmodern zenekar és az egész punk / új hullám elődje mozgalom.

“Heroin” veszi a külső kaland a kábítószerek beszerzése a belső birodalmába, és elfogja a függőség csábítása egy erő, a szépség és a kegyelem, ami még inkább ijesztő. A “Venus in Furs”, az S & M kapcsolat megszakítás nélküli vizsgálata, majdnem fekete lyukűrűséget eredményez. “Minden Tomorrow’s Party” Nico legszebb pillanata, egy toronymagas hallható hangzás az átmeneti csillogásnak, a rettegés és a Reed destabilizáló őrült gitárának impulzusával.

A lemezen még két szép, Reed-penned / Nico ének, “I’ll Be Your Mirror” és “Femme Fatale”, valamint Reed karrierjének legszebb darabja, a túlélő “vasárnap reggel”. sajnálom, hogy egy hajnalban lévő vasárnap félelem és finomság.

A csoport további három albuma még több drágakövet hozott a “White Light, White Heat”, “What Goes On”, “Light of Light”, “Pale Blue Eyes”, “Sweet Jane” és “Rock and Roll” mindegyik és több megtalálható az erősen ajánlott dobozkészletben: “Peel Slowly and See”.

6. Led Zeppelin

A Led Zeppelin a világ legkedveltebb rock-csoportja volt, amely több mint 50 millió rekordot értékesített az USA-ban (több mint 200 millió világszerte), a blues- sokféleképpen, többek között a misztikus angol népzene, a közel-keleti befolyásolt exotica, a furcsa pop és mindenféle nehézség. Szintén szimbolizálják a kőzet életmódjának dionzsikus túlzásokat.

A klasszikus rock rádiós formátumokban való elterjedtségük és a fent említett túlzás sokakat arra késztettek, hogy a rock’n’roll hanyatlásának túlsúlyos és tünetei miatt a zenekar elhagyja a zenekart a 70-es években. A szuperértékű gyűjtemény “Korai napok és utolsó napok: Best of Vols. 1. és 2. “(két lemez) bizonyítja, hogy bármi, a zenekar zenei a nagyság még mindig alulértékelt, az előzőleg említett gyalázások és az a tény, hogy a zenekarnak nem volt nagyobb kulturális hatása – nem sok mindent.

Mindketten rosszak voltak: “Led Zeppelin 1” (“Good Times Bad Times”, “Babe, Hagylak benneteket”, “Dazed and Confused”, “Communication Breakdown”), “Led Zeppelin 2” “A Lemon Song”, “Hearbreaker”, “Living Loving Maid”, “Ramble On”) és a “Led Zeppelin 4” (más néven “Zoso”, “Black Dog”, “Rock and Roll” a Levee Breaks, a “Stairway to Heaven”) a rock legnagyobb albumai közé tartoznak.

A Plant éneke csak a Little Richard-t illeti, amely a szexualitással, vagy az angolszász mítoszból és / vagy az okkultból származik. Bonham (akinek baleseti halála 1980-ban feloszlatta a zenekart) hevesen lüktetett a dobja, mint egy fürge, elefánt táncolni a házon. Jones basszusgitárosa és stratégiai billentyűzetük összefogta a különböző elemeket. És az oldal, aki a legtöbb írásban és produkcióban játszott, az egyik legfontosabb és legemlékezetesebb gitárt játszotta a rock történetében – a legsúlyosabb összeomlásból a legérzékenyebb akusztikus ujjszedéshez.

A zenekar hatalmas tartós népszerűségét bizonyítva, a múlt év májusában kiadott “Led Zeppelin” élő két DVD-készlet több mint 600 000 példányban értékesített.

7. Ramones

A Ramones – Dee Dee (basszus, ének), Joey (ének), Johnny (gitár), Tommy (dob, később Marky) a Az amerikai punk zenekar, a zaj, az energia, a hozzáállás, a humor és (néha elfeledett) nagyszerű dalok végtelen forrása, akik segítettek újra feltalálni a rock’n’roll-ot, amikor a 70-es évek közepén.

A 70-es évek közepén, indie Sire Records-nél dolgozott, a producer / tehetségkutató Craig Leon részt vett a perzselő New York-i underground zenei jelenetben. 1975-ben egy nyári estén a CBGB-hez ment, és két bandát, a Talking Headt és a Ramones-t látott.

“Elmentem a műsorra, és mellettem voltak szó szerint négy ember a közönség mellett, de a zenekarok fenomenálisak voltak” – mondta Leon. “Sokan még azt sem gondolják, hogy a Ramones képes lenne rekordot készíteni. Hetét előkészítés volt nagyon alacsonynak: például, amikor a dalok elkezdődtek és amikor befejeződtek. Korai darabjai egy hosszú dal volt, míg el nem fogytak a gőzből vagy harcoltak. Teljesítménytípusú dolognak tekintheted, ahol 17 perces tömör kapszula volt mindenről, amit valaha is tudsz a rock’n’rollról, vagy 22 kis dalt látsz. “- mondta. A dalokhoz mentek.

A Ramones első albuma (1976) egy vidám minimalista ikon – az első igazi amerikai punk lemez. A felhalmozott felhők és a fények rétegei és rétegei el voltak távolítva, hogy felfedezzék a rock’n’rollot a legegyszerűbb és legfontosabb dalokon, mint a “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” és “Let’s Dance”. A Ramones hangja lángolt a 60-as évek elején a Surf-zenés zenét a Blue Cheer és a Black Sabbath túlzott torzításával játszották. León szerint azonban a Ramones pop zenekarnak látta magát. “Naivitásunkban azt gondoltuk, hogy nagyobb lesz a Beatlesnél. Még Paul McCartney korai színpadnevét is nevezték el: “Paul Ramone” – mondta Leon.

Bár a legtöbb egyetértés abban áll, hogy a Ramones megdöbbentő első albuma – amely a 747-es versenyt átverte egy papír repülőgépes versenyen – a legfontosabb albumuk, nem az én kedvencem. A kedvencem egyike a zenekar legkülönlegesebbnek, a “The Century of the End” -nek – melyet a titokzatos pop ikon (és most gyilkosság gyanúsítottja) Phil Spector készített – és az albumot, amely először elismerte a “pop punk” -t.

Az album 1979-ben rögzítette, hogy a korai 60-as évek pop-rockja és a punk zenekar pszichéje kapcsolódik, és egyaránt Ramones és Spector klasszikusként tartja magát. Spector idiosinkráciái sohasem győzedelmeskednek a “Chinese Rock” vagy a “Rock “N ‘Roll High School”, és a Spectorish “Do You Remember Rock” N’ Roll Rádió “rollicks csak a megfelelő retro touches. A Ronette “Baby I Love You” remekművének remekműve ugyanolyan izgalmas, mint a szórakoztató, és teljesen új fényt vetett az énekes Joey Ramone-ról (aki 2002-ben egy rákos randevú után halt meg).

A két CD “Hey! Ho! Let’s Go “egy látványos áttekintés a zenekarról, az összes fenti daldal (a” Baby I Love You “kivételével), a” California Sun “, a” Sheena egy punk rocker “, a” Cretin Hop “, a” Rockaway Beach ” “Teenage Lobotomy”, “I Want to be Sedated”, “Ő az egyetlen”, “Ő egy szenzáció”, “We Want the Airwaves”, és még sok más.

8. Pink Floyd

A Pink Floyd az album rock korszakának legkülönlegesebb és kísérleti multiplatin zenekara, amely kivételes filmes hangversenyeket hoz létre a “Meddle”, a “Dark Side of the Moon”, a “Wish You Were Here” és a zenekar népszerű csúcsa és fogalmi halála “A fal”.

A ’60 -as évek közepétől R & B alapú hard rock zenekarként a zenekar (a Piedmont blues férfiak, Pink Anderson és Floyd Council neve alapján) – Syd Barrett gitáron és éneken, Roger Waters a basszuson és éneken, Richard Wright a billentyűzeten, és Nick Mason a dobokon – gyorsan mutatkozott a két brit pszichedelia (“See Emily Play”, “Arnold Layne”) és a hosszú formájú instrumentális térkő (“csillagászat Domine”, “Interstellar Overdrive” liberális LSD használat: a Cambridge-i angol kertet szállítják a Marson.

David Gilmour gitáros csatlakozott a csoporthoz a Barrett 1966-os volatilitása ellen, de amikor Barrettet megbízhatatlanná tette a megbízhatatlansága, “backup zenekarának” demokratikus, négyes tagjai lettek az írás, az éneklés és a vezetés feladatai. Ahogy Floyd mélyebben kísérte a kísérletező szimfonikus feltárásokat a tér hanghűlésében – amennyire csak lehetett távolabb a rock’n’roll eredetétől a felgyorsult amerikai tinédzser hormonoknál – annál népszerűbb lett.

Az 1971-ben kiadott “Meddle” című kiadvány a Barrett-influenza hatvanas évekbeli, az 1970-es évek Waters-Gilmour Floyd című zenekar átmeneti albuma volt, amelyet az űrkő nagysága “Echoes” emelt ki, 23 percnyi magabiztos kreatív kanyargós, a Waters és Gilmour harmóniáját, a Wright-bőgő orgonát, az atmoszférikus axemanship-t a páratlan Gilmour-ból, más világi pingákat és sodródó bálna-zajokat. Hallhatod a “Sötét Oldal a Hold” termékeny magjait.

A ’73 -as években kiadott ‘Dark Side’ című album 741 hetet töltött el az albumi grafikonon, a kreatív stúdióművészet remekműve és az idő, a kapzsiság és a létezés rendkívül egységes feltárása. Az album a passage elengedhetetlen szertartása. A “Wish You Were Here” egy kivételes, felidéző, környezettudatos, hosszú formájú pillantás Barrett szétesésére, amely összekeveredik Roger Waters vágyával a világgal, és különösen a zeneipargal.

Az életnek ez a gyenge arcképe a “The Wall” -on végső kifejezést találta, amely a címét szó szerinti és metaforikus elszigeteltségként használta. A műalkotás színpadi előadásai során a falon fizikailag megépítették a falat, melynek összeomlása minden műsor végén szépen előkerült a csoport sorsára. A Waters a 80-as évek elején szólalt meg, és a csoport rendszeresen újra találkozott vele, de sem a csoport, sem pedig a.

9. Bob Marley és a Wailers

A jamaikai történelem legnagyobb énekese, dalszerzője és kulturális szereplője, Bob Marley a reggae zene igazlelkű üzenete és “pozitív vibrációja” volt a világhoz, és a szikla korszak egyetlen toronymagas alakja nem Amerikából vagy az USA-ból származik.

Marley 1945-ben született a vidéki St. Ann’s Parish-ban egy középkorú fehér apához és egy tinédzser fekete anyához, és 14 évesen elhagyta a Kingston kemény Trench Town nyomornegyedét, hogy zenélni kezdjen. Ott barátok lettek, és énekes triót alakítottak ki, Peter Tosh és Bunny Wailer. A Wailing Wailers-nek nevezték magukat, később a Wailers-hez rövidítették. Az idei uralkodó zenei stílusokon belül dolgozták, először a felkelő up-tempo ska, majd a lassúbb kavics szikla, amely utána elengedte a reggae-t.

A Wailers a 60-as évek legendás producereivel, Coxone Dodd-vel és Lee Scratch Perry-dal felvett nagyszerű dalokat, mint a “Simmer Down”, az “One Love”, a “Soul Rebel”, a “Small Ax” és a “Duppy Conqueror” , “Jamaicában nagyon népszerűvé vált. De amikor Wailers 1972-ben írta alá a Chris Blackwell Island Records-ot, hogy elértük a globális szintet.

A Wailers első albumai a szigetre, a “Catch a Fire” és a “Burnin” (mindkettő 73-as évek) azonnali klasszikusokká váltak, és bemutatták: “Stir Up”, “Shotff Shot” és Tosh “Get Up Stand Up” a világnak. Tosh és Wailer mindketten lemondtak a szóló pályára, és a Wailers Marley kifejezési eszköze lett. A tragikus rákos haláláig 1981-ben 36 éves korában Marley himnusz után himnuszt készített, és reményt és büszkeséget hozott a Harmadik Világban, az Észak-Amerikában és Európában is.

A sziget legfontosabb és tartós reggae albuma a “Legend”, amely több mint 10 millió példányban értékesít az Egyesült Államokban. A “No Woman No Cry”, “Three Little Birds”, “One Love”, “Buffalo Soldier”, “Waiting In Vain” és “Jamming”.

10. Sly és a családi kő

Sly és a Family Stone a késő 60-as évek és a 70-es évek egyik legélénkebb és átgondolt zenéjét alkotta, egyesíti és átalakítja a fekete-fehér zenét a legmagasabb remény és a legmélyebb árulás idején Amerikában. Leader Sly Stone személyesítette mindkét szélsőséget, mint a legmegbízhatóbb hívőket és a saját kiábrándulásának áldozatait.

A zenekar második LP-jén, a Dance To The Music-nál (68) volt, hogy valóban tüzet fogtak. A cím dal tökéletes reprezentációja volt az élő családi hangnak, a pozitív posztharmatnak, a fuzz basszusnak, a doo-wopnak, a rock gitárnak és a szarvoknak egy hagyományos R & B revü kontextusában.

A ’69 -es nyáron a Sly és a Family Stone a népszerűség és a kritikai elismerés magaslataként emelkedett a “Stand!” Című fenomenális albumuk szárnyán, amely magában foglalta a zenekar első, első számú hitét, a “Everyday People” című dalt. a zenekar társadalmi eszméit úgy definiálta, ahogy a “tánc” meghatározta zenei gondolatait. Az óvodai rímesség bűvöletét az évszázadok kulturális elfogultságaiban szűkítik, és emlékeztet az egyszerű igazságra, hogy “együtt kell élnünk”, vagy külön kell meghalnunk. Az albumon az orgazmikus volt: “Azt akarom, hogy magasabbra viszed”.

Ugyanezen a nyáron a Sly és a Family Stone a Woodstock színpadán szivárványos felhalmozódásban, villanás és flitterek villogásával és szupersztárok elől jött. Ha a résztvevők nem voltak elég magasak, amikor Sly felkiáltott: “Azt akarom, hogy magasabbra tegyek” a zenekar készletének végén, sokan úgy érzik, hogy a fesztivál – és egy korszak -.

Sajnos Sly szó szerint megszállta a “magaslat” megszállottságát, és összekeveri a gyógyszerek könnyű magasságát a zene, a szeretet és a lét örömével. A kábítószerek egyre nagyobb paranoia és önfelszívódás volt, melyet először és leginkább az 1971-es “There’s A Riot Goin On On” -ként emlegetnek, ahol a lustaság helyettesíti a rohadékot, de Sly hihetetlen tehetsége még mindig áthatja a falat. Errico dobos a produkció során elhagyta, Sly pedig tovább károsította a család érzését, mivel maga az album önmagában, a kokainburokban elszigetelt eszközzel játszott. Ironikus módon a “Riot” volt a “zenekar” csak a No.1 album. Az álom és a valóság mindketten szétesettek, de a zene marad.

Hogyan? Miért?

Miközben az igazság dübörgő szavával beszélek, ez a lista a “10 legjobb rockzenekarról” valaha“Nem egy pusztán önkényes kijelölés, amelyet alsóbb régióiban húztak. Először is a nyerteseknek tényleges zenekarnak kellett lenniük, ami az 50-es évek első hullám rock’n’roll nagyszerűségét kiküszöböli, mint például az Elvis és a Chuck Berry, akik lényegében szóló zenészek voltak, és olyan más figurák, mint Bob Dylan, és vokális csoportok. A zenekaroknak a “rock” zenének nagyobb körén belül kell lenniük, és a saját anyaguk nagy részét vagy egészét ki kell alakítaniuk. Figyelembe vettem a zenei és kulturális befolyást, a népszerűséget az idő múlásával (maradandó erő) és a “Csodálatos élet” tényezőt: Milyen károkat kellene tenni, ha a zenekart kivonják a rock történelemből? – minél nagyobb a kár, annál nagyobb a zenekar. A fentiek közül bármelyik eltávolítása a rock történetét felismerhetetlenné tenné.

Eric Olsen szerkesztője Blogcritics.org és rendszeresen járultak hozzá az MSNBC.com-hoz.